Lewis Carroll, el escritor fotógrafo

Cuando nos hablan de literatura pensamos en el nombre de Lewis Carroll como el creador de la saga de Alicia en el País de la Maravillas y A través del Espejo, cuyas historias se han inmortalizado a través del tiempo como obras maestras pioneras de la literatura fantástica del siglo XIX. Sin embargo, una faceta desconocida del escritor de Daresbury, era aparte de una pasión incesante por las letras y por las jovencitas, estaba la fotografía.  El genial escritor británico quien además era matemático, se apasionó por esta nueva técnica, para la época, que expandía las posibilidades de expresión estética.

lewis-carroll-2Aunque para la conservadora, moralista y políticamente correcta sociedad victoriana de la Inglaterra del siglo XIX, sus fotografías parecían ciertamente escandalosas por registrar en ellas niñas como Alice Lidell, hija de un matrimonio amigo de Carroll, su inspiración para escribir su obra maestra Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland). Su condición de diácono de la iglesia anglicana, le permitían hacer tomas incluso de las niñas desnudas, que sin embargo, eran tenidas en estimación por su valor artístico, pero esta característica del escritor aun en la actualidad, sigue siendo motivo de polémica.

lewis carroll 2Su reputación artística e intelectual, se basa sobre todo en su obra literaria, pero sin embargo su pasión por la fotografía no era un simple entretenimiento o hobby. Carroll poseía un estudio propio de fotografía en el que pasaba gran parte del tiempo. Entre sus modelos para estudios de daguerrotipos y retratos se pueden nombrar a colegas de la importancia literaria de Alfred Tenysson y Dante Gabriel Rossetti, pintor y poeta célebre en la Inglaterra de su tiempo. Su pasión por Alice, lo llevó a plasmarla en fotografías en la plenitud de su juventud, evocando en sus admiradores otra faceta del arte de Carroll.

lewis-carrollDesde 1856 Carroll se apasionó por la fotografía durante veinticinco años, llegando a hacer hasta tres mil registros, pero lamentablemente, solo han podido recuperarse hasta nuestra época, cerca de mil de estas piezas fotográficas. Fue por iniciativa de su tío Skeffington Lutwidge que Lewis Carroll se aproximo al fascinante mundo de la fotografía. Su ideología estética pretendía acercarse por medio de esta herramienta tecnología a su credo personal en “la divinidad de la belleza”, donde la libertad, la inocencia se conjugaban en un objeto que conseguía reflejar un estado de perfección moral, fisiológica y estética de los primeros años de la juventud.

Estilos fotográficos

Cesar Quijada-3Cada arte tiene una manera de plasmarse. Esto es lo que se conoce como estilo y lo que diferencia a un artista del otro. La fotografía como toda manifestación estética, se apega a esta premisa. Existen diferentes formas de hacerlo con algunas diferencias de fondo. Como en todo arte la en la fotografía existen diferentes géneros o modalidades que vienen a ser algo como el “tono” de la fotografía que van por supuesto de la mano del estilo propio de cada fotógrafo. Cada fotografía tiene su propio contexto y el género es, por decirlo así, el criterio personal de cada artista para registrar, es su carácter.

Fotografía documental: consistente en ser lo más precisa posible en la comunicación de la realidad a través de la imagen, ha sido desde sus orígenes el mecanismo ideal de los reporteros gráficos para dejar un registro fehaciente y objetivo, dándole su nombre de fotografía documental. Aunque para muchos críticos, en este estilo fotográfico se puede poner en riesgo el concepto y fundamentos de la estética de la imagen, debido a la crudeza o extrema contundencia que pueden llegar a tener muchas fotografías como las de conflictos o guerras, ha tenido una gran acogida durante la época moderna.

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Fotografía artística: catalogada dentro del nivel estético propio incluso de otras ramas del arte como la pintura. El nivel alcanzado por muchos artistas en este género o estilo, ha logrado llevar a niveles de verdadero virtuosismo muchas fotografías. Aunque puede tener sin detrimento de sus características, virtudes atribuidas a otros estilos como la fuerza de la fotografía documental, o la efectividad de la fotografía publicitaria, la fotografía artística consigue plasmar la realidad al tiempo que conmueve y nos deja ver una escena repetida miles de veces por un fotógrafo mediocre con una perspectiva nueva y reveladora.

Cesar Quijada-1Fotografía objetiva: su objetivo es ser lo más neutra posible con la realidad. Aunque puede parecer similar a la fotografía documental, aquí lo esencial es dejar de lado un enfoque estético que puede estar implícito en la fotografía documental, dado su carácter periodístico o de reporte gráfico. Aquí se dejan de lado tamices como pueden tener los reporteros gráficos que quieren de todas maneras expresar su modo de ver la realidad a través de una toma especifica con un ángulo premeditado, e incluso, con una postura del objeto representado, tal como sucedió con las célebres fotografías de Frank Capra de un partisano republicano que cae muerto y que, según estudios de críticos, eran falsas, pues la pose del hombre cayendo muerto por un disparo no sería si no una representación del hecho real.

Tino Soriano

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Nacido en la bella ciudad de Barcelona, España, en 1955, Tino Soriano es uno de los grandes fotógrafos de nuestro tiempo. Ha logrado galardones tan relevantes como el Humanity Photo Award entregado por la Unesco y también el que se considera como el premio de fotografía de mayor importancia en el mundo: en World Press Photo del año 1999. Su trabajo hace énfasis en la parte humana de la fotografía, la dignidad humana y la opresión que sufren por circunstancias sociales económicas o políticas, especialmente a los desvalidos y a los niños.

En el año 2004 es galardonado con la “Lente de Plata” por un reportaje acerca de la medicina en México; dos años después en 2006, la Academia de Ciencias Médicas de Cataluña hace relevancia en su gran trabajo de reportería gráfica, de importancia para sensibilizar sobre el mundo de la medicina. tino-sorianoSu concepción estética bebe de las fuentes de diferentes fotógrafos, teniendo siempre en cuenta el factor humano que existe en esta: Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, David Alan Harvey, Alex Webb, han sido sus principales inspiraciones. Soriano ha publicado diferentes libros con distintas temáticas como: Fotografía de viajes (2000), Dalí, y el libro La otra Barcelona (2002).

Soriano lleva consigo siempre para todo lado su cámara analógica Leica y una Nikon D300 digital. Su profesionalismo y sensibilidad lo han llevado a impartir clases magistrales de fotografía en diferentes institutos y universidades de todo el mundo. Ha trabajado para revistas y publicaciones tan importantes como El País y Vanguardia, Times Magazine, Paris Match, Der Spiegel, entre muchos otros. Dentro de sus múltiples exposiciones, destacan por ejemplo, su dramática serie sobre el cáncer en niños, que ha dado gran impulso a la lucha en diferentes frentes de la sociedad contra este mal, y titulado “David contra Goliat” (2010).

tino-soriano-estonia-beachSu carrera tuvo su primer impulso hace más de tres décadas cuando por casualidad caminando por la calle encontró en un quiosco de revistas “Viajar” una de las pocas publicaciones en la España de aquella época, que lo hicieron decidirse por convertirse en uno de sus fotógrafos de cabecera. Apasionado y contaminado con el virus de la fotografía, Soriano dejó sus estudios en el magisterio para emprender su carrera de fotógrafo, iniciando con sus primeros intentos como reportero de viajes; así comenzó a ver publicados sus trabajos en algunos medios enfocados en el género, hasta convertirse en uno de los grandes fotógrafos de nuestros tiempos.

Kike Calvo, fotógrafo de la naturaleza

Dentro de las categorías fotográficas, la documentación naturalista, ha tenido una creciente acogida por diferentes profesionales que se dedican a registrar los hechos que acontecen en el mundo natural. Kike Calvo, es un fotógrafo español que se ha especializado en esta categoría mencionada. Mientras estudiaba Economía en la Universidad de Zaragoza, ambicionaba llegar a Wall Street para hacer carrera como comisionista de la bolsa de valores más importante del mundo. Su padre cae enfermo a causa de un cáncer de pulmón, lo que le hace reevaluar su concepción profesional. Fiel a la promesa que jura cumplirle a su papa que le dice: «Haz lo que quieras, pero antes termina tu carrera».

kike calvo 3Gracias a una beca, se desplaza a estudiar periodismo a Estados Unidos, mientras prosigue su formación para ser periodista escrito con énfasis en medio ambiente, su pasión por la fotografía empieza a envolver su vida tomando cada vez más fuerza. La peculiar manera de expresión que es la fotografía, en palabras del artista, le permitía hacer una suerte de catarsis a sus frustraciones, miedos y complejos, además de ser una forma de alentar su vida por medio del arte. Así empezó a forjarse la brillante carrera de este reportero gráfico.

KIKE Calvo

Considerado para muchos como una especie de Indiana Jones del mundo fotográfico, Kike Calvo, como artista autodidacta, también se ha forjado en la unidad de fotografía de las Naciones Unidas, hasta lograr obtener en 1999 un importante galardón por colaboración en temas de desarrollo. Ha sido reportero grafico para periódicos tan importantes como el New York Times y para la productora de temas naturales National Geographic. Ha viajado con esta por diferentes partes del mundo como la Antartida, África, Norte y Sudamérica, Asia, Europa y Oceanía, grabando en la memoria de los espectadores, impactantes escenas que pocas veces, incluso los más avezados fotógrafos y camarógrafos de estas lides, han llegado a registrar.

En palabras del fotógrafo, la imagen en esta época de inmediatez, es muchísimo más importante que otra forma de arte, donde, pues todo entra por los ojos. En una entrevista, compara su trabajo entre el periódico neoyorkino y la revista natural. Afirma que la rapidez y actualización del trabajo de reportero, hace que el acopio de conceptos en una sola fotografía para una edición, haga el trabajo un poco extenuante. En la revista National Geographic, el trabajo es completamente diferente por el enfoque y visión de los productores.

Fotografía contemporánea

Tratar de aprehender con el concepto de fotografía contemporánea las distintas vertientes que a lo largo del siglo XX se han dado en este arte, es un poco pretencioso. Luego de que se acuño en las diferentes disciplinas artísticas y humanísticas el concepto de posmodernismo, las artes y entre estas la fotografía también fueron catalogadas dentro esta clasificación. La ambigüedad de este concepto de fotografía posmoderna es absurda puesto que dentro del espectro de tendencias y vanguardias que se fueron dando, hablar de una escuela que las acoja a todas es bastante ambicioso.

Muchas tendencias y escuelas como la europea de escenificación surgida en Holanda, ha sido asimilada por muchos fotógrafos en Estados Unidos. Por decir un ejemplo, la conocida como escuela de Vancouver, que durante los años setentas, introdujo el concepto de preparación minuciosa de la fotografía, dejando de lado la idea de que era un ejercicio improvisatorio con el que se trabajaba en documentación, es un buen ejemplo de esta comunión de conceptos e ideas de una y otra parte del mundo que representan diferentes procesos y periodos históricos e incluso, concepciones propias de un artista que termina influenciando a otros. Esto hace compleja la categorización de estas divisiones.

MadamePeripetie-Fotografia-ContemporaneaLa gran carga simbólica que estas fotografías tienen, incluso su evocación del arte moderno y arte pop como la estructura de viñetas o cajas que evocan cuadros de Andy Warhol o de Robert Motherwell, hacen mucho más compleja la categorización. Esta escuela fotográfica podría decirse es una de las tendencias que aun siguen siendo recurrentes cuando los fotógrafos actuales al momento de ejecutar una campaña publicitaria o de hacer la producción de una publicación. La escuela de Vancouver pretendía retomar las imágenes y escenarios callejeros o cotidianos para luego intentar recrearlos de la manera más fiel posible a la original.

Sin embargo la mercantilización del concepto fotográfico hace que para los estudiosos el debate de la fotografía contemporánea o posmoderna se centre en su calidad de objeto comercial per se, se opone al concepto de instrumento de masificación de la cultura del mercantilismo ante la tradición de la alta cultura europea burguesa como su valor de origen. El peso de las acusaciones por parte del academicismo con respecto a las tendencias actuales de la fotografía contemporánea, como por ejemplo, los performances como los del polémico fotógrafo Spencer Tunick, que justamente pretenden hacer de la acto de ejecutar una instantánea una mezcla de masificación y de elaboración estética, son los argumentos que están puestos sobre la mesa.

Técnicas de revelado fotográfico

Uno de los procesos más interesantes del mundo de la fotografía es el del revelado. Consiste en visibilizar la imagen registrada en una placa metálica o película de celulosa para permitir que pueda ser vista por medio de un proceso llamado positivado. Cuando se registra la imagen, esta puede verse en blanco y negro o negativo. Mediante un proceso químico, como aun siguen haciéndolo los muchos fotógrafos, se revela la imagen para poder apreciar todos sus matices y detalles. Pero como sucede este proceso, es lo que se tratará de explicar en este post.

Existen líquidos que efectúan este proceso y se conocen como reveladores. Con esta solución se produce la reacción química que permite hacer visibles unas partículas compuestas de plata oscura o haluros. Estos químicos en estado líquido conocidos como reveladores, son de diferente tipo para cada clase de película fotográfica:

-Reveladores de grano fino: actúan de manera lenta sobre la imagen registrada, evitando que las partículas de plata se agrupen para formar las imágenes.

-Reveladores de alto contraste: permiten revelar con gran definición y realce de imágenes para producir un efecto de proyección y relieve.

-Aceleradores: hacen mucho más corto el proceso de revelar  la imagen, hasta en una tercera parte de lo habitual.

-Baños de paro: estas soluciones detienen la reacción química que produce que la imagen sea visible.

-Fijadores: como su nombre lo indica estos químicos tiosulfato sódico y tiosulato amónico se encargan de hacer fijar la imagen en la película.

Luego, es preciso sumergir los negativos en un tanque de revelado en un cuarto completamente a oscuras pues si la luz solar los toca, las imágenes son veladas y se arruina totalmente el revelado. Enseguida las imágenes se depositan en discos en forma de espiral; bajo ninguna circunstancia se debe tocar la cinta pues los ácidos dañan el proceso. Al poner la película en el interior del tanque la luz ya puede ser encendida.

Para revelar la fotografía es preciso manipular el tiempo de revelado, agitando ligeramente la película. Luego se agrega una sustancia llamada baño de paro, este químico detiene la acción del revelador y tampoco puede ser expuesto a la luz. El liquido de fijado elimina las partículas fotosensibles en negativo dejándolas expuesta definitivamente, tal cual como se verá en la fotografía final. Tras esto, la fotografía debe lavarse bajo agua corriente para eliminar cualquier rastro de químicos o resultado de los pasos anteriores, teniendo en cuenta cambiar el agua constantemente. Finalmente se debe poder a secar al aire libre sujetando la película con ganchos.

El diseño gráfico

El diseño gráfico nace por la necesidad de crear un modo de comunicación directo por medio de imágenes. Aunque el concepto de diseño gráfico como está entendido en nuestros días es relativamente reciente, se puede decir que desde que el hombre registra sus primeros ideogramas en una cueva rupestre hasta los grabados de los escribanos medievales donde pueden verse diferentes diseños que se acercan a lo que hoy concebimos como diseño gráfico. La manera de ornamentar viñetas, textos, recreando imágenes es el principio del diseño gráfico y puede tenerse como precursores a los amanuenses medievales que decoraban los infolios para la alta jerarquía eclesiástica europea. 

En la historia moderna, luego de la invención de la imprenta de tipos móviles por el alemán Johannes Gutenberg, consiguió que la producción de libros fuera mucho más viable que antes. Además de la masificación de la cultura y el pensamiento, el factor decorativo de los ejemplares necesitaba que un maestro artesano se encargara de diseñar y fabricar los motivos, los tipos gráficos y los arabescos que empezaron a decorar los libros, que de pasar a ser un artículo de lujo, se convertiría en un vehículo de transmisión del intelecto y el pensamiento humano. Los ejemplares que se crearon antes de la invención de la imprenta se conocen como incunables, y dan muestra de la habilidad de estos escribanos y artistas de la edad media.

Durante el siglo XIX se instituyeron las conocidas como escuelas de artes y oficios en Inglaterra. Allí los estudiantes y futuros impresores, aprendían su oficio a cabalidad llevando a un nivel de estética bastante respetable el concepto de diseño. Junto con el avance de la técnica de impresión, la nueva tecnología, representada por la fotografía permitió a los editores agregar a su libro imágenes y fotografías que hicieron mucho más vistosos y llamativos a los libros.

Con el nacimiento de un nuevo siglo, a principios de 1900, el color y las vanguardias artísticas como el cubismo, el arte de la escuela de Bauhaus y otras escuelas artísticas, renovaron el oficio logrando que al expresarse por medio de conceptos gráficos, monogramas y logotipos los artistas gráficos constituyeran una escuela particular siendo un apoyo para los editores que simplemente se limitaban a imprimir el libro con una fuente determinada en cuanto a tipo y tamaño.

Sady González, fotógrafo del Bogotazo

Durante los aciagos hechos acaecidos el 9 de abril de 1948 en Bogotá, en el testimonio de los sucesos que enlutaron al país en esa jornada, Sady González tuvo parte fundamental, además de la fortuna de dejar un registro por medio de su cámara para la historia. Para quienes no conocen el antecedente histórico de esa fecha trascendental para la historia de Colombia y Latinoamérica, huelga decir que Jorge Eliécer Gaitán era el político más importante del país. Líder de la oposición liberal que hacia contrapeso al poder conservador encabezado por Laureano Gómez, era un eminente abogado y caudillo que pretendía cambiar la política colombiana, haciendo del país un estado socialista en pro de las clases más oprimida de la década de los cuarentas.

Bogotá en 1948 era una ciudad que exhibía un patrimonio arquitectónico y urbanístico envidiable. Las fachadas de corte francés clásico, republicano y colonial, atraían a turistas y estudiosos de la historia y arquitectura de América Latina. Muchos incluso comparaban a la pequeña urbe, que apenas si podía compararse a la metrópoli que es hoy, con la Londres de las novelas de Dickens y Stevenson. Era una joya decorada con parques urbanos, museos, iglesias del siglo XVII y XVIII, quintas virreinales y haciendas suburbanas donde las clases poderosas que detentaban el poder, pasaban sus fines de semana y temporadas de recreo.

El fotógrafo Sady González nació en Bogotá en 1913. Sus primeros oficios en el arte de la fotografía comenzaron cuando hacia fotos para registrar las cédulas de ciudadanía. Luego ingresó a diarios tan importantes como El Tiempo, El Siglo, El Liberal y La Razón. Hizo parte del Círculo de Reporteros Gráficos de Bogotá. La calidad de sus registro fotográficos las hizo conocidas internacionalmente por revistas como Time y Life.

El 9 de abril de 1948, Sady González como muchos otros ciudadanos, se encontraba seguramente tomando un almuerzo o un café, en los cientos de locales que tradicionalmente acogen a los bogotanos que suelen departir y tertuliar en ellos. A la una y cinco de la tarde, cuatro disparos sonaron en la esquina de la carrera séptima con Avenida Jiménez. Gaitán caía asesinado vilmente, partiendo en dos la historia del país. Inmediatamente las gentes empezaron a llegar presa de la indignación; lincharon al supuesto asesino arrastrando su cadáver hasta el palacio presidencial, intentando luego tomar el poder; el ejercito declaró el estado de sitio y la gente empezó a saquear locales: Bogotá ardió y Sady González registró con su cámara, con un estilo propio, lleno de franqueza e intimismo dramático, aquella triste fecha en la historia de Colombia.

La fotografía más costosa del mundo

Una de las virtudes mayores de la fotografía es la captura de un instante fugaz, que se desvanecería en el tiempo si no fuera por obra de esta invención del ingenio humano. Muchos fotógrafos han conseguido instantáneas magnificas de instantes escasos y desconocidos para muchas personas de un hecho trascendente, de la intimidad de una celebridad, o sencillamente, de la vida de las personas que coexisten al mismo tiempo con los procesos más importantes de la historia de los pueblos. Hace un tiempo se supo que una fotografía en apariencia simple y corriente se había vendido como la más costosa jamás vendida en la historia.

Por ese afán del ser humano de categorizar cosas y objetos, las fotografías tampoco han conseguido escapar de esta costumbre. Hace unos años se supo que una instantánea de un fotógrafo llamado Andreas Gursky que registraba el río Rhin en un formato similar al del cinematógrafo, que tiene unas características que la acercan a la estética de la pintura geométrica y conceptual. Se llegó a registrar su precio en 4.3 millones de euros. Este artista, de la conocida como escuela de Dusseldorf, se ha especializado en lograr imágenes de gran lirismo y belleza, consiguiendo que algunos de sus trabajos sean tasados en cifras millonarias.

Cindy Sherman otra fotógrafa nacida en New Jersey, quien hizo estudios de artes visuales, sin embargo su inclinación inicial por la plástica, se convirtió en una inclinación por la fotografía, dadas sus limitaciones en distintos aspectos. Su foto titulada como Untitled#96 del año 1981, donde se está retratada una mujer vestida con un jersey escarlata y falda escocesa, pareciendo recrear en su memoria su antigua condición de escolar, fue tasada por un exorbitante precio de 3.9 millones de dólares.

Parece que esta competencia por convertir las obras de arte en objetos valiosos e inalcanzables para cualquier mortal, no cesa. Se supo que en el año 2012, una instantánea de la productora cinematográfica Paramount Pictures para conmemorar su centenario, en el que figuran 116 celebridades entre los que figuran 124 premios Oscar, incluyendo actores de la talla de Al Pacino, Robert de Niro, Jack Nicholson, Meryl Streep, Leonardo Di Caprio, Ben Kingsley, Harrison Ford; directores como Steven Spielberg, Martin Scorsese, incluso, cantantes como Justin Bieber, han conseguido que esta instantánea se halla posicionado dentro de este listado de algunos potosíes de la imagen llegando a ser tasada por la nada despreciable suma de 103 millones de dólares.

Microfotografía

Para registrar el mundo existen muchos tipos de cámaras y lentes. Hemos hablado antes de la astrofotografía, que como recordarán, registra los objetos espaciales. Se requieren lentes de gran potencia para conseguir una toma nítida; obtener una imagen aceptable de semejantes distancias es un logro del ingenio humano. Para el caso contrario, es decir para las imágenes microscópicas, se precisan lentes que amplifican los objetos del mismo modo que lo hacen los microscopios de laboratorio, pero en este caso especial, para obtener imágenes precisas de piezas, objetos o microorganismos. Esta especialidad se ha generalizado debido a los avances de la ciencia, aplicando los principios de la fotografía para ello.

Conseguir una microfotografía requiere una serie de técnicas auxiliares. Dado que los objetos a registrar son de unas dimensiones muy pequeñas, se requieren focos de luz potentes para iluminar adecuadamente el objeto. Las cámaras poseen un obturador con velocidad variable para las exposiciones. Por ejemplo para una microfotografía normal es requerido 28 mm f4.5. El registro de las imágenes se realiza en rollos de 16 y 35 mm. Luego de ser procesada por poderosos microprocesadores fotográficos, se amplifican las imágenes para ser fijadas en el tamaño deseado por el fotógrafo.

El desarrollo de las tecnologías de miniaturización electrónica ha facilitado la tarea puesto que los artefactos fotográficos actuales, incluso los más sencillos, poseen una calidad y nitidez que permiten obtener imágenes de gran calidad. Anteriormente era necesario obtener un estereoscopio para registrar dichos objetos. Ahora es mucho más sencillo pues para obtener una buena microfotografía, es preciso únicamente una web cam o nuestra cámara convencional de fotografías: simplemente por medio de un microscopio pueden registrarse las imágenes en un computador o una memoria. Los programas que existen en la actualidad permiten almacenar, manipular y convertir diferentes clases de archivos de imagen.

Estos avances en la fotografía aplicada a ciencias como la física, química, biología o medicina, han mejorado considerablemente el avance en los diferentes estudios de estas disciplinas. Gracias a la microfotografía, por ejemplo, los médicos han podido identificar alteraciones en órganos o moléculas que tienen incidencia en una patología definida; los biólogos y entomólogos, han podido identificar diferentes organismos para combatir distintas amenazas biológicas; los físicos han podido desentrañan el universo infinitesimal que subyace en la materia; los químicos han podido analizar los diferentes cambios producidos en las moléculas y composiciones químicas… En fin se puede decir que la humanidad, así como el avance de la civilización, le debe mucho a esta rama de la fotografía.