Kike Calvo, fotógrafo de la naturaleza

Dentro de las categorías fotográficas, la documentación naturalista, ha tenido una creciente acogida por diferentes profesionales que se dedican a registrar los hechos que acontecen en el mundo natural. Kike Calvo, es un fotógrafo español que se ha especializado en esta categoría mencionada. Mientras estudiaba Economía en la Universidad de Zaragoza, ambicionaba llegar a Wall Street para hacer carrera como comisionista de la bolsa de valores más importante del mundo. Su padre cae enfermo a causa de un cáncer de pulmón, lo que le hace reevaluar su concepción profesional. Fiel a la promesa que jura cumplirle a su papa que le dice: «Haz lo que quieras, pero antes termina tu carrera».

kike calvo 3Gracias a una beca, se desplaza a estudiar periodismo a Estados Unidos, mientras prosigue su formación para ser periodista escrito con énfasis en medio ambiente, su pasión por la fotografía empieza a envolver su vida tomando cada vez más fuerza. La peculiar manera de expresión que es la fotografía, en palabras del artista, le permitía hacer una suerte de catarsis a sus frustraciones, miedos y complejos, además de ser una forma de alentar su vida por medio del arte. Así empezó a forjarse la brillante carrera de este reportero gráfico.

KIKE Calvo

Considerado para muchos como una especie de Indiana Jones del mundo fotográfico, Kike Calvo, como artista autodidacta, también se ha forjado en la unidad de fotografía de las Naciones Unidas, hasta lograr obtener en 1999 un importante galardón por colaboración en temas de desarrollo. Ha sido reportero grafico para periódicos tan importantes como el New York Times y para la productora de temas naturales National Geographic. Ha viajado con esta por diferentes partes del mundo como la Antartida, África, Norte y Sudamérica, Asia, Europa y Oceanía, grabando en la memoria de los espectadores, impactantes escenas que pocas veces, incluso los más avezados fotógrafos y camarógrafos de estas lides, han llegado a registrar.

En palabras del fotógrafo, la imagen en esta época de inmediatez, es muchísimo más importante que otra forma de arte, donde, pues todo entra por los ojos. En una entrevista, compara su trabajo entre el periódico neoyorkino y la revista natural. Afirma que la rapidez y actualización del trabajo de reportero, hace que el acopio de conceptos en una sola fotografía para una edición, haga el trabajo un poco extenuante. En la revista National Geographic, el trabajo es completamente diferente por el enfoque y visión de los productores.

La primera fotografía a color

En el comienzo de la nueva ciencia de la fotografía, los registros con la nueva invención de Daguerre, no permitía una detallada impresión de las imágenes. A medida que se avanzaba en los nuevos hallazgos en el proceso de revelado de imágenes y de perfeccionamiento de métodos de registro, la evolución fue cada vez más necesaria para conseguir plasmar la realidad de una manera coherente y fiel. Los primeros intentos por plasmar el color en las fotografías fueron fallidos pues el color se desvanecía rápidamente. La pobreza de los materiales de la época ―la primera mitad del siglo XIX― hacía que los registros fotográficos fueran de poca calidad.

james-clerk-maxwellEn el año 1861, el escocés James Clerk Maxwell expuso sus estudios acerca de la composición de la luz consistentes en hacer pasar haces de luz a través de unos filtros de colores para luego proyectarlos en una pantalla. Esta teoría se conoció como tricromía. El proceso mediante el cual Maxwell consiguió este avance en la fotografía fue sobreexponiendo las imágenes conseguidas con distintos filtros de colores. Luego de este primer intento, dos inventores franceses intentaron perfeccionar la técnica de Maxwell sin mayor éxito.

Sin embargo un alemán Hermann W. Vogel,  a finales de la década de los setenta del siglo XIX, hizo un hallazgo consistente en sensibilizar por medio de tintes de anilina para conseguir un espectro mucho más amplio que los tres colores primarios, verde, azul y rojo. No sería sino hasta principios del siglo XX, en 1906 cuando pudo obtener la placa pancromática sensible a todos los colores del espectro. Luego vendrían las placas conocidas como autocroma, una serie de transparencias fijadas por medio de compuestos orgánicos, que salieron a la venta a fines del primer decenio del siglo XX desarrollado por los hermanos Louis y Auguste Lumiere.

Hermann W. VogelOtro avance significativo para el desarrollo de la fotografía en color se debe gracias al trabajo del ruso Sergei Prokudin-Gorskii quien por medio de re exposiciones de los diferentes negativos por medio de los tres colores verde, rojo y azul. Finalmente en 1935, la compañía Kodak de George Eastman, desarrolla una técnica definitiva: incluyendo en la emulsión de las capas para las películas los colores primarios para la composición de la imagen completa a color. Polaroid introduciría finalmente a principios de los años sesentas la película instantánea completamente a color, hasta nuestros días que el proceso es completamente realizado por un microprocesador integrado a la cámara.

Spencer Tunick

spencer-tunick-1Dentro de los fotógrafos que han conseguido notoriedad mediática en los últimos años, donde el fenómeno de la masificación en todos los ámbitos es una constante, Spencer Tunick, es un personaje sin duda interesante y polémico. Su estilo fotográfico oscila entre el documentalismo y una estética del desnudo público. Sus registros son por regla general en sitios públicos, plazas, calles, parques, donde reúne personas de todo tipo de condición raza o sexo. Esa pluralidad de su estética es uno de sus rasgos más peculiares de su estilo. Sus imágenes pretenden reconstruir la ciudad por medio de los cuerpos que la habitan.

Spencer_TunikDesde este punto de vista, los cuerpos que pueblan la ciudad, son parte de ella, por decirlo de un modo poético son su alma. Tunick ha sabido conseguir los mejores registros del hombre de a pie, logrando que la masa se integre en un solo cuerpo compacto que le da sentido y carácter a cada una de los escenarios donde Tunick decide hacer sus ambiciosos registros fotográficos. Partiendo de un tipo de fotografía casi experimental su estética no pretende adoctrinar con ningún estilo determinado ni escuela, es si nos atenemos al producto final, en gran medida un estilo improvisatorio.

spencer-tunickTunick se aproxima en ocasiones a la sensibilidad surrealista propia de un Man Ray, mostrando en una manera vulnerable, en todo el esplendor o la miseria de la desnudez humana ―es relativo al observador, de acuerdo a sus costumbres, haciendo del tabú de la exhibición del cuerpo ausente de cualquier ropaje, un punto nuevo de expresar su arte. También parece un simple ejercicio de improvisación, pues la manera de agrupar las texturas corporales para sus sesiones que lo hacen ejercicios semejantes al arte plástico. Tomando el cuerpo, sus volúmenes y formas, Tunick hace del cuerpo un objeto de arte por medio de sus fotografías.

Spencer-Tunick-Montauk-4Su arte ha sido tomado también como discurso contestatario en contra de los gobiernos y los autoritarismos, las represiones sexuales y de género, convirtiéndose en una manera de manifestar una forma silenciosa de revolución contra las manifestaciones de los poderes sociales, eclesiásticos, económicos o políticos. El hecho de participar en las multitudinarias fotografías de Tunick, hace que los espacios íntimos del ser humano, como el desnudo cotidiano, el que todos tan corriente y  diariamente vivimos, sea una manera de expresar inconformidad con los cánones establecidos o simplemente la costumbre para configurar una transgresión estética.

Fotografía contemporánea

Tratar de aprehender con el concepto de fotografía contemporánea las distintas vertientes que a lo largo del siglo XX se han dado en este arte, es un poco pretencioso. Luego de que se acuño en las diferentes disciplinas artísticas y humanísticas el concepto de posmodernismo, las artes y entre estas la fotografía también fueron catalogadas dentro esta clasificación. La ambigüedad de este concepto de fotografía posmoderna es absurda puesto que dentro del espectro de tendencias y vanguardias que se fueron dando, hablar de una escuela que las acoja a todas es bastante ambicioso.

Muchas tendencias y escuelas como la europea de escenificación surgida en Holanda, ha sido asimilada por muchos fotógrafos en Estados Unidos. Por decir un ejemplo, la conocida como escuela de Vancouver, que durante los años setentas, introdujo el concepto de preparación minuciosa de la fotografía, dejando de lado la idea de que era un ejercicio improvisatorio con el que se trabajaba en documentación, es un buen ejemplo de esta comunión de conceptos e ideas de una y otra parte del mundo que representan diferentes procesos y periodos históricos e incluso, concepciones propias de un artista que termina influenciando a otros. Esto hace compleja la categorización de estas divisiones.

MadamePeripetie-Fotografia-ContemporaneaLa gran carga simbólica que estas fotografías tienen, incluso su evocación del arte moderno y arte pop como la estructura de viñetas o cajas que evocan cuadros de Andy Warhol o de Robert Motherwell, hacen mucho más compleja la categorización. Esta escuela fotográfica podría decirse es una de las tendencias que aun siguen siendo recurrentes cuando los fotógrafos actuales al momento de ejecutar una campaña publicitaria o de hacer la producción de una publicación. La escuela de Vancouver pretendía retomar las imágenes y escenarios callejeros o cotidianos para luego intentar recrearlos de la manera más fiel posible a la original.

Sin embargo la mercantilización del concepto fotográfico hace que para los estudiosos el debate de la fotografía contemporánea o posmoderna se centre en su calidad de objeto comercial per se, se opone al concepto de instrumento de masificación de la cultura del mercantilismo ante la tradición de la alta cultura europea burguesa como su valor de origen. El peso de las acusaciones por parte del academicismo con respecto a las tendencias actuales de la fotografía contemporánea, como por ejemplo, los performances como los del polémico fotógrafo Spencer Tunick, que justamente pretenden hacer de la acto de ejecutar una instantánea una mezcla de masificación y de elaboración estética, son los argumentos que están puestos sobre la mesa.